5 grunnleggende ferdigheter Hver kunstner Skulle Master
Som kunstner, er din jobb å fordype seerne inn i en verden som du har bygget og lede dem trygt gjennom den. Kunstnere har mye til felles med fortellere. Storytellers har flere triks som de bruker til å holde sine lesere kommer tilbake for mer. Som historiefortellere, kan kunstnere bruker lignende triks for å hjelpe dem å produsere mer overbevisende kunstverk. I denne artikkelen vil vi forklare 5 grunnleggende ferdigheter som enhver artist bør mestre. La oss ta en titt!
1. Sammensetning
Det viktigste aspektet av kunst for meg personlig er sammensetningen. Det setter scenen for alt annet. Dette er din måte å veilede og lede betrakteren til å føle seg som om de er faktisk i bildet. Dersom denne del av prosessen ikke er opprettet og kontrolleres på riktig måte, alt annet kan og sannsynligvis vil falle fra hverandre. Det betyr ikke at du må følge hver lille regelen. Faktisk, mange har brutt dem og skapte svært vellykkede kunstverk. Det er å vite hvordan og når man skal bryte dem som vil tillate deg å gjøre det med hell. Men før du prøver noe sånt, må du først lære reglene og se hvordan de fungerer og funksjon.
Rule of Thirds
Dette er den enkleste og mest brukte komposisjon teknikk, en som jeg bruker mye selv. Fordi det er enkelt å lære, er det noe som anbefales for nybegynnere og de som er nye til det grunnleggende komposisjon. Når den brukes, vil den dele bildet inn i 9 like deler som er atskilt med to horisontale og vertikale linjer.
Hovedtanken bak dette er å plassere det viktigste elementet /objekt på en av kryss der linjene konvergerer (den + 's), samt langs eller nær vertikal linje med hvor fokus kan ligge.
det antas at når denne er brukt og motivet /samlings sitter på en av disse plassene, det skaper mer interesse i bildet i stedet for at det sentrert.
Dock av John Powell
restene som lever av Keisuke Asaba
Way of the Wizard
Iconic
i motsetning til hva som ble nevnt ovenfor, setter dette spesielle preparat som midtpunkt direkte i sentrum av bildet. Selv om det er mest brukt for tegnbaserte stykker, det betyr ikke at det ikke kan brukes til andre midler, forklarer det også hvorfor et sentralt samlingspunkt er ønsket.
For karakter kunstnere, en av sine mål er å plassere tegnet rett foran deg og trekke så mye oppmerksomhet til det som mulig. Det finnes ingen bedre måte enn å sette dem midt i sentrum av ting. Det er derfor denne komposisjonen er mest tiltalende for tegn (men igjen, ikke la det påvirke deg fra å eksperimentere).
I tillegg til det sentrale fokus, viser diamantformede guide oss hvor vi skal plassere mest av vår oppmerksomhet og detaljer. Betrakteren åpenbart ikke vil være å se arbeidet med disse guider på, så du må vise dem hva som er viktigst i din brikke gjennom belysning, farger, detaljer og mange andre ting. Noe utenfor denne diamanten er ikke på langt nær så viktig og bør ikke tiltrekke seg så mye eller mer oppmerksomhet enn hva som er på innsiden av det.
Du kan bruke disse grunnleggende guider enten som et utgangspunkt for mer komplekse komposisjoner eller opprette et helt stykke. Valget er opp til deg, men mitt forslag er å lære om dem helt før du tar på mer komplekse komposisjoner. Det er også flere regler og eksempler komposisjon der ute som bringer opp mange andre punkter enn hva jeg liste her. Jeg oppfordrer deg til å søke i dem og lese dem.
PI-2 av Marek Okon (Venstre). Blood Delt på Dan Santos (Center). Injiser Me av Marc Simonetti (Høyre).
Ledende Eye
Nå, la oss ta en titt på noen andre eksempler på hvordan å lede betrakterens øye til navet.
I PI-2, kan du se hvordan lyset umiddelbart låser øyet i navet på grunn av styrke og intensitet. Andre faktorer på dette er farge, plassering i sammensetningen (regelen for tredjedeler) og fordi nesten alle i scene ser på navet det skaper en underforstått linje og får deg til også. Hva holder oss låst inn i navet er her imidlertid sirkulær bevegelse av folk som svever i luften.
PI-2 av Piotr Jablonski
I Crysis 2 (under), kunstneren brukt lys, farge og plassering i komposisjon for å lede samlingspunkt. Den mest åpenbare og vakre lys kommer fra spotlights og frontlykter fra bilen, som alle peker mot navet. Dernest har du skudd fra våpen konvergerende på det, som fører øyet direkte mot den. Til slutt, kunstneren brukt regelen for tredjedeler for plassering i denne komposisjonen. Et annet punkt kan gjøres for hvor mye det treffes tiltak innenfor dette området. Alle disse har ført til et vellykket stykke som klart definerer fokuspunkt og områdene rundt det
Crysis 2 -. Concept 04 av Marek Okon
I stykket nedenfor, bruker kunstneren gangveier som danner rundt søylen til å lede betrakteren inn i navet. Som dragene fly rundt det følger vi dem, som holder oss på dette området lenger. Fordi pilaren er i skygge og lys er rett bak det, har kunstneren også brukt verdier og kontrast for å gjøre det skiller seg ut enda mer.
Nest etter Tuomas Korpi
I grafikken nedenfor, brukte jeg en rekke elementer for å lede betrakterens oppmerksomhet til navet (slottet). Buen i bakgrunnen og broen over fossen er begge å gå direkte inn i slottet. Siden bildet har en liten vinkel, alle fjellene ser ut til å være fører til slottet, noe som bidrar til å peke betrakteren i den retningen også. En annen ting å hjelpe slottet skiller seg ut er den fargen som brukes på toppen, som gir kontrast mot gult, grønt og rødt som omgir den.
Vises Hill
På bildet under har jeg vist hvordan du kan holde betrakterens øye fra lett rømmer bildet via innramming. Du kan sannsynligvis se hvordan dette fungerer bare ved å se på bildet. Men det jeg har gjort her var å bruke "arm" deler som kommer ut fra den røde enhet som en måte å ramme bildet. Denne teknikken kan brukes til å "låse" betrakteren i stykket og holde dem i lengre tid. Det kan være overdrevet, men hvis du holder den til et rimelig nivå, kan det komme godt med. En ulemper til dette, spesielt hvis det brukes for mye, er at det kan bli irriterende og gjør betrakteren ønsker å forlate før.
Utrydde
2. Perspektiv
Alt har et perspektiv. Når man står på gaten, se deg rundt og legge merke til hvilken side av bygningene du kan se og hvorfor du ser dem alle fra forskjellige synsvinkler. Så mens du er i gang, gå videre og se ned en vei, hvorfor gjør alt ser ut til å bli mindre som avstanden er lengre borte fra deg? Alle disse tingene må forholde seg til et perspektiv av disse objektene og ditt synspunkt.
Perspectives er en viktig ferdighet å lære, for arkitektoniske, miljømessige og mange andre grunner. De gir oss en måte å skape og bygge elementer og objekter og korrekt plassere dem i billedflaten. Perspektiver stole på horisontlinjen (eller noen ganger kalt øyehøyde linje) for å finne det som kalles en Vanishing Point Dette er den enkleste av alle perspektiver for å lære, men en som ikke er mye brukt en hel mye på grunn av sine begrensninger. Når det er sagt, det kan være svært gunstig, avhengig av hva motivet du lager. I dette perspektivet er det et enkelt forsvinningspunkt å gå tilbake til horisontlinjen, hvor målet er i tilbakegang til Når mer enn én side av objektet er i tilbakegang tilbake til flere områder, må du bruke en to-punkts perspektiv system. Når den brukes, vil du opprette to forsvinningspunkt, hver på en side av objektet /element. Disse punktene vil igjen stammer fra horisontlinjen, og perspektiv linjer vil løpe fra dette punktet hele veien til objektet. Det er der du virkelig kan begynne å se perspektiver skifte. De fleste ganger forsvinningspunktet vil være veien utenfor bildet ditt, men ikke fortvil. Ved arbeid tradisjonelt, kan du alltids bruke ekstra papir for å måle den nøyaktige avstanden. Hvis du arbeider digitalt, utvide lerretet ut til du finner din forsvinningspunktet. De tre-punkts systemet brukes når du virkelig ønsker å formidle en ekstrem situasjon. Det kan være nyttig for scener som er leken (gjør en scene fra fugle eller hund perspektiv), spennende (handling), og mange flere. For å oppnå dette perspektivet, vil du være med nøyaktig samme system fra de to-point, men legger i en tredje forsvinningspunkt som enten er over og under objektet /element. Det tredje punktet fungerer akkurat det samme som de to andre, så ikke bli utløst opp av det, det er ikke noe fordekte om det. Den eneste forskjellen her er at de øverste eller nederste (de vertikale) av objektet vil følge og falle tilbake til dette punktet. . Som er det som gir oss at vridd utseende La oss se på noen eksempler som viser stor bruk av perspektiv: Verdier er utvalget av lysstyrke og mørke i bildet. De er hvit, svart og alt i mellom. Selv med farge, hvor mørk eller lys som fargen er (nyanser eller nyanser) er en verdi. Jo nærmere noe er i forgrunnen, jo mørkere det vil dukke opp (avhengig av belysning og andre ting, selvfølgelig), noe viker unna det vil gradvis bli lettere da det forsvinner inn i horisonten (i form av landskap). Ta en titt på grafen under og bruke den som referanse når vi diskuterer dette mer i dybden lenger ned. Enda mer enn farger, verdiene av arbeidet ditt er en av de mest vitale elementer av hvorvidt eller ikke din brikke vil bli vellykket. Hvis verdiene ikke leser riktig (å være i stand til å skille FG fra MG til BG, og /eller fokuspunkt fra området rundt), så vil det ingen rolle hvor stor din komposisjon, lys og farger er, stykket som en helhet vil mislykkes fordi verdiene ikke lese ordentlig. Så, hva mener jeg med dem å være i stand til å lese ordentlig? Vel, la ’ s ta en titt. Bildet nedenfor er en verdi studie av Claire Almon som ble gjort for en av hennes Marie Antoinette stykker (ytterligere WIP med farge er lagt ut under bildet). Legg merke til alle de forskjellige verdier i bildet og hvordan du kan tydelig skille hvert element bortsett fra de andre. Verdier bidra til å bestemme den generelle belysningen i scenen din og hvordan en gjenstand ser ut mot en annen (som kan hjelpe med komposisjon og en hel liste over ting). Enda viktigere skjønt, verdier separate avstander innenfor grunnplanet, og det er med dette skillet, når det gjøres riktig, at seeren kan lese arbeidet ditt slik du skal, og føre deres øyne til navet. Det er her at du da kan jobbe med og begynne Kjøpet farger som vist nedenfor. Her er et par eksempler på bruk av verdier på riktig måte. Legg merke til de ulike verdiene som brukes innen ett enkelt bilde /design for å hjelpe fortelle hvert element fra hverandre. Mye som belysning, fargen på brikken din avhenger av mange ting; den tid på dagen, årstid, plassering og så videre. Bestemme fargevalget er viktig å gjøre tidlig, selv fra start hvis du kan. Husk at ting vil alltid forandre seg og utvikle seg, slik at fargene på din brikke mest sannsynlig vil også. Som med alt, bare fordi noe ser bra ut på ett punkt, ikke nødvendigvis at det alltid vil. Så ikke vær redd for å blande ting opp underveis og finne noe som kan være bedre egnet for hva du jobber med. Husk at det er veldig lett å gå over med farge også, så vet når det ikke å rote med det. Å vite hvordan du skal velge din fargevalget avhenger av tid på dagen, været /sky, hva årstid det er, og hvorvidt du er på en fremmed planet eller i verdensrommet. Det finnes utallige ting som kan bidra til å forme fargene i maleriet, så det er best å få en idé om hva de er før enn senere å redusere hodepine før posisjon i sluttfasen. Fargen du velger bør vise noen følelser eller situasjon du ønsker å formidle til betrakteren. Hvis du har en morsom eller handling stykke, kan lyse og levende farger være det beste alternativet for å vise at sans for action og intensitet. Hvis du går for noe litt mer humørsyk og tilbaketrukket, kan du da alltid velge en mørkere og mindre mettet generelle fargevalget, men har fokuspunkt være mer levende enn de andre delene. Det er mange variabler som kan låne til hva slags farge du bruker for din del. Din jobb er å finne ut hvilke av dem vil fungere best Her er noen eksempler på hvordan fargen blir brukt effektivt til å hjelpe historiefortelling, følelser og å lede betrakterens øye. I golem image, har kunstneren bygget sterk farge rundt navet, som klart indikerer hvor det meste av oppmerksomheten bør bli betalt. Fargene som omgir leketøy figuren låne til dette stykket lekende natur, samt legge et lag av mystikk og fantasi. De ytre delene av sammensetningen har jordfarger, som ikke er altfor mettet. Dette bidrar til navet videre stå bortsett fra resten av bildet (og samtidig opprettholde balanse) og gjør det mulig for den lekne siden av emne /tema å være fullt utforsket I dette stykket, jeg brukte holografiske skjermene på landing pads som skiller den fra alle de andre elementene i scenen. Siden det er den mest mettet del i sammensetningen, visste jeg betrakterens øye vil alltid til slutt gravitate tilbake til dette området fordi det var den mest interessante. Jeg ønsket også følelsen av en eldre science fiction arbeid, så jeg holdt meg unna virkelig levende farger. Som alle store elementer av kunst, belysning er avgjørende. Hovedsakelig fordi den gjennomsnittlige seeren vet hva realistisk belysning ser ut, selv om de ikke vet nøyaktig hva det er som gjør at det ser ekte. De kan gjerne fortelle om noe fungerer eller ikke. Noen ganger kan du være heldig og lure dem, men de fleste ganger kan det ødelegge din skutt og gjøre alt det harde arbeidet som ble satt inn i din stykke bortkastet tid og arbeid. Og det er definitivt ikke det vi ønsker. Så, for å vite hvordan lyset reagerer på miljøet og ulike materialer, gå ut og studere den. Hvis du baserer en del av av noe annet (f.eks, du er din fotografisk plate i form av matt maling eller anatomi for malere), studere det før du kan trygt fortelle noen andre hvordan det ser ut, føles og fungerer. Ved hjelp av bilder er fine, men det er en nesten uendelig kilde like utenfor disse veggene du er i vente for deg. Mye som farge, belysning kan formidle mye følelser og dybde. La oss ta en titt på hvordan dette kan oppnås. Nok en gang, på bildet nedenfor, er det sterk belysning som blir kastet på navet. Skyggene i forgrunnen skaper dybde i bildet og gir mulighet for betrakteren å få et klart bilde av det sentrale området uten forgrunnen går ubemerket. Fordi forgrunnen er i nesten fullstendig skygge og midground er der vi ser de fleste av våre lys, gjør dette for betrakteren til å ha en større innvirkning på navet og det som skjer på scenen. Nesten umiddelbart de ser ødeleggelsen av verden rundt dem som om de var der på gata. Å være en mester av sine båter, dette stykket av Dylan Cole gjør ingen unntak. Både forgrunnen og bakgrunnen er tent for å vise alt arbeidet som gikk inn i det, mens sammensetningen presser deg inn i bakgrunnen mot navet. Så nå som vi har dekket alle disse temaene, jeg er sikker på at du lurer på hvordan du skal bruke og innlemme dem i arbeidet ditt. Dette, akkurat som alt annet, er i ferd med å bli kjent med dem og trene til du har en klar forståelse av hva de er og hvordan du bruker dem riktig. Husk at vi alle lærer forskjellig, så hvis det ikke kommer lett til deg ikke mist motet. Bare fortsett å trykke på med små studier av hver av disse temaene. Etter en stund med å gjøre dem, vil du legge merke til ting som du ikke har hatt før, og det er når du vil begynne å lære og virkelig presse deg selv. Takk for at du tok deg tid til å lese denne artikkelen. Jeg håper virkelig du er i stand til å ta fra dette og bruke det på ditt arbeid og lære av det. Bare husk at enhver stor artist som du ser opp til startet fra bunnen og måtte jobbe seg gjennom alle disse ferdighetene. Fortsett å presse deg i riktig retning med en sterk mål i tankene, og du kan bli stor på hva du gjør.
. Forsvinningspunkt er hvor dine perspektiv linjene vil stamme (se nedenfor eksempler).
En-punkts perspektiv
One-punkts perspektiv
2001. A Space Odyssey av Stanley Kubrick
To- Point perspektiv
To-punkts perspektiv
Mysterious Street av Lukasz Taborski
Tre-punkts perspektiv
tre-punkts perspektiv
I marerittene av Zardo
MILL10NAIRES av Jakob Eirich
Cargo av Mitchell Mohrhauser
iroshi av Jonas De Ro
Spirit Rising av Gary Tonge
3. Verdi
Almon treet
Almon treet
Almon treet
Feng Zhu Design Blog
Feng Zhu Design Blog
4. Color
Golem -. Leker og magi av Randis Albion < p> Her har vi en kontrast av farger, noe som gjør det sentrale punktet skiller seg ut. Dette er en av de mest brukte måter å bruke farger for å oppnå god komposisjon, fordi det er både effektivt og dramatisk når det gjelder sammensetning og historiefortelling.
Nemeroths Fall av Roberto Robert
Station.4
5. Lighting
Skyscraper tapt ved Ioan Dumitrescu
Dylan Cole Studio
Dylan Cole Studio
Konklusjon