Har andre alternativet høres kjent ut? Hvis ja, holde lesing. I denne artikkelen vil jeg vise deg hvordan du kan forbedre ti ulike aspekter av arbeidsflyten slik at du blir en klar Photoshop artist. Med disse ti enkle tipsene vil du forstå de feil som kan ha blitt blokkerer deg i lang tid!

Kan du lese den fra histogrammet?

Du kan endre nivåene ved å dra glidebryterne. Mens det reduserer den generelle mengden av nyanser, hjelper det å plassere dem på riktig sted i histogrammet.

Histogrammet viser oss at det finnes en rekke mellomtonene i vår objekt, men det er også et synlig mangel på mørke og lyse områder. Uansett hva vi ser, er at hva maskinen sier! Mens det er ingen perfekt oppskrift for nivåer (det kommer an på lyssetting av scenen), en total mangel på mørke og lyse områder er et dårlig tegn.

Bare se hva som skjer når vi flytter glidebryterne mot midten!

kontrast har endret seg pent, men blending har lidd av det-det er fordi vi har færre mellomtonene nå. Men det er ikke vanskelig å fikse det manuelt!

Er det en måte å bruke riktig nyanser fra begynnelsen, slik at alt dette ikke er nødvendig? Ja, og det er faktisk kommer til å ta deg mindre tid enn normalt! Løsningen er å bruke færre
nyanser-en mørk, en lys en, en mellomtone og en bit av svart og hvitt.

For å gjøre det i praksis, før du starter et bilde, planlegge belysningen på en sfære:

Tegn en sirkel og fyll den med den mørkeste skyggen (svart anbefales ikke)

Legg til en mellomtone
Legg den lyseste skyggen (hvit anbefales ikke).

Legg til ett eller to mellomtonene i mellom.

Legg til et snev av svart og hvitt.

ser du hvor alle disse delene ligge på histogrammet? Når vi slå dem, dette er hva som vises. Bruk dette området som et sett med fargeprøver for objektet, skyggelegging det på samme måte-mørkeste skyggen, mellomtone, este lyset, flere mellomtoner mørkeste sprekker og este høylys. Deretter kan du blande alt!
Hvis du blande sfæren, vil du få en virkelig fin histogram med en rekke mellomtonene!

En siste ting. Hvis du sammenligner disse to hoder igjen, en med riktig kontrast fra begynnelsen, og en korrigert en, vil du merke forskjellen. Det er derfor å øke kontrasten ikke kan virkelig fikse scene hvis du ikke har vurdert verdiene fra start hver materialet har sitt eget utvalg av nyanser. For eksempel vil den mørkeste del av en hvit overflate være mye sterkere enn det mørkeste del av en svart overflate. Det betyr at du bør forberede så mange kuler som det er ulike materialer i scenen din

Husk:.! En lys gjenstand skyggelagt med mørke nyanser er så galt som en mørk gjenstand skyggelagt med lyse nyanser

4. Bruke for komplisert Børster og for stor Strokes

Når du sammenligner tradisjonelle børster til Photoshop seg, forskjellen er så slående at du kan lure på hvorfor de har samme navn. Tross alt, klassiske børster kan du male bare mer eller mindre kaotiske slag, mens de digitale skape kunstverk på egenhånd.

Og her er fangsten. Hvis de skaper noe på egenhånd, gir du opp din kontroll. Profesjonelle kunstnere bruker enkle slag mesteparten av tiden, og støtter seg med mer kompliserte problemer fra tid til annen. Ved hjelp av komplekse børster på en daglig basis, ikke bare gjør deg lat-det også stopper deg fra å lære hvordan man skal oppnå en effekt på egen hånd, fordi det er ingen grunn til!

Når du starter ditt eventyr med digitale maleri, er det naturlig å søke etter måter å utvikle seg så raskt som mulig. Du vil ha resultater, her og nå. Tilpassede børster er svaret for det. Du ønsker pels her er pelsen pensel; du ønsker skalaer-her er skalaen pensel. Du kan ikke male noe-laste ned et verktøy som kan.

Custom børster er ikke dårlig-de er faktisk veldig nyttig. Problemet oppstår når du bruker dem som en base på "dyktighet". Hvis du faktisk har brukt tid på å prøve å forstå hvordan å male pels raskt, vil du forstå det er egentlig ikke laget av enkle hår som du trenger for å male en etter en. Du vil lære at visjonen om noe i våre sinn er ofte uforenlig med virkeligheten. Du vil lære hvordan du ser og hvordan du kan lage hva du ser, ikke hva du tror du ser.

I stedet gi deg opp etter å ha brukt en halvtime på å male enkle hår og søke etter en børste som vil gjøre det for deg. Du finner den, du er fornøyd, er du klar til å gå videre. Det er så lett at det blir vanedannende, og du slutter å lære i det hele tatt-yoú ville heller laste ned alle triksene, om det var mulig.

Men hvordan tradisjonelle kunstnere vinne det? De har egentlig ikke har et slikt utvalg av børster. Hvordan male de pels? Svaret er enkelt-på samme måte du
ville hvis tilpassede børster ikke eksisterte. Hvis du ønsker å forbedre, hvis du ønsker å slå denne nybegynner forbannelse, forkaste kompliserte busker for en stund. Hold deg til et enkelt sett, for eksempel denne, og lære å gjøre det beste ut av det. Ikke se etter snarveier når det blir vanskelig. Kjempe seg gjennom det, og du får uvurderlig erfaring i stedet for billige triks.
No "pels pensel" ble brukt her
Going Too Big

En annen vanlig feil knyttet til børster bruker for store slag . Det er, igjen, basert på utålmodighet. Regelen er at 80% av arbeidet tar 20% av tiden brukt på den, noe som betyr at du må bruke 80% av arbeidstiden behandling
dine kunstverk. Hvis du opprettet skissen, basen, flate farger, og enkel skyggelegging i to timer, er det fortsatt åtte timer igjen. Videre i løpet av disse åtte timer vil du se mindre framgang enn i de to første! Hvordan nedslående er det?

Du kan tydelig se det i prosess stykker kunstnere noen ganger viser til sitt publikum, som dette. De første skrittene er store-noe fra ingenting er opprettet. Og da er det bremser ned. Du kan knapt se noen forskjell mellom de siste trinnene, og likevel at subtile forskjellen sannsynligvis tok mer tid enn alle de forrige!
På hvilket tidspunkt vil du
stoppe?

Dette er det problem. Når bildet er nesten
ferdig, føler du at trangen til å fullføre det og se det gjort allerede. Men dette er øyeblikket når du bør faktisk start til! Jeg husker jeg leste en kommentar under en av disse maleri prosesser: "Jeg ville stoppe på Trinn 4" [av 10]. Og det er forskjellen mellom at nybegynnere og profesjonelle! Fordi den andre delen av denne regelen er: det siste, langsom og subtil 20% av arbeidet bidrar til 80% av den endelige effekten

Løsningen er enkel.. Du bør aldri ferdig bilde med store slag (med mindre det er en speedpainting). De er reservert for starten, for at 20% av tiden. Bruk dem til å blokkere former, for å definere belysning, for å legge store biter av farger. Og så gradvis gå mindre, zoome inn, rydde opp, legge detaljene. Du vil se at du behandling når du arbeider med en svært liten pensel i en veldig stor nærbilde. Vanligvis har den flere steder i bildet du tar med din pensel (og jo mer du endrer det, for eksempel legge til en liten forskjell i lysstyrke eller fargetone med hver lille slag), jo mer raffinert det vil se ut.

Det er en lys side til denne regelen. Siden 80% av stykket ikke bidrar så mye til den endelige effekten, er det ingen grunn til altfor fokusere på det. Start malerier raskt løst, og lagre alle dine anstrengelser for senere. Husk: ikke alle maleri må være ferdig bare fordi du startet det. Ved å forkaste noe du ikke tror på, du sparer deg selv fire ganger så mye tid som du allerede har kastet bort!

5. Bruke for mange farger

trenger Tradisjonelle kunstnere ikke har for mange farger klar til bruk. De må lære å lage dem, hvordan å blande dem for å få den effekten de ønsker. Denne ulempen er faktisk en velsignelse. De har ikke annet valg enn å lære om fargelære. Du, som en digital nybegynner, har alle mulige farger innenfor rekkevidde. Og det er en forbannelse!

Vi forstår ikke farger intuitivt. Det er ikke nødvendig å i vårt daglige liv. Men som kunstner, må du fullstendig endre ditt perspektiv. Du kan ikke stole på intuisjon lenger, fordi det fungerer dårlig i dette emnet. Du må slutte å tenke på farger som du kjenner dem, og forstå begrepet kulør, metning, lysstyrke, og verdi.

Farger finnes ikke på egenhånd. De er basert på relasjoner. For eksempel, hvis du ønsker å gjøre en farge lysere, kan du enten øke lysstyrken, eller redusere lysstyrken i bakgrunnen. Red, kalt en varm farge, blir varm eller kald, avhengig av hva som sin nabo er. Selv metnings endringer på grunn av relasjoner!
Selv nyansen i en farge kan endres avhengig av sine omgivelser. Og denne kunnskapen er avgjørende for maling, ikke bare til design, som du kanskje tror!

En nybegynner uvitende om alt dette fyller sin skisse med et helt sett av tilfeldige farger. De plukker en
blå, og deretter legge en
grønn, uten noen anelse de plukker dem fra tusenvis av andre farger med blå og grønnaktig nyanse, og at de alle har en slags makt !

Dette er hvordan en nybegynner ser fargene:

Blues

Muddy blues

Grays

Blacks


Men ... hvorfor gjør vi selv har så mange nyanser, hvis de er ubrukelig? Svaret er, er de ikke. Du trenger bare å forstå hvor de kommer fra og hva de betyr. La oss se det samme fargevelgeren som sett av en profesjonell:



Desaturated blues

Mettet blues

Lyse blues

Mørke blues



ser komplisert? Sannsynligvis, men det er ikke en grunn til å ignorere det! Hvis det er for overveldende, hold deg til gråtoner for en stund. Forstå spørsmålet om belysning, solskjerming og blending, og du får en solid base for fremtiden. Flere, farger (eller rettere sagt: fargetoner) er en glasur på den kaken kalt kunstverket. De kan gjøre det søtere, men de kan ikke være i bunnen av den. Ingen mengde glasur gjør en dårlig kake god


Og hvis du bestemmer deg for å starte din farge selvfølgelig prøve disse artiklene for en start!


1. Forbedre Kunstverk av Lære å se lys og Shadow
   
   Fargefundamentals: Shading
   
   Fargefundamentals: Avansert farge
   
   The Secret til Realistisk Maleri: Slik Master Verdi
   
   
   
   6. Plukke farger direkte fra en referanse
   

   Det er vanskelig å bekjempe denne fristelsen, så hardt at det kan gjøre deg til å gråte. Jeg vet det godt. Likevel, hvis du ønsker å virkelig lære digitale maleri, du må ikke
   bruke pipetteverktøyet til å låne en farge fra en referanse. Hvorfor er det så viktig?
   

   Nybegynnere bruker vanligvis lite mettet oransje /rosa for huden. Det synes opplagt, men effekten er langt fra naturlig. Hvis du bruker en referanse, men ... det er en annen historie! Nesten hver piksel har en annen nyanse, ikke bare rosa-du kan finne rødt, gult, appelsiner, selv kaldt lilla, grønt og blått. Metning og lysstyrke endrer seg hele tiden, og fortsatt, gjør den endelige effekten ikke ligne kaos.
   

   Når du velger farger fra en referanse, får ditt eget bilde nytt liv. Problemet er at det er ikke så forskjellig fra tracing. I resultatet av sporing får du linjer som du ikke kunne gjenta deg selv, og når du velger farger du får vakker skyggelegging du ikke kan gjenta heller. Effekten er utrolig-men du kan ikke bli kreditert for det.
   

   Det er en annen ting. Plukke fargene stopper fremdriften. You "kjøpe" fargesett i stedet for å lære å lage dem selv. Du har din fargehjulet med alle glidere; hver farge du velger kan gjenskapes av deg, på egen hånd. Men du likevel velger å bruke de som allerede er opprettet-det er raskt og effektivt, men du vet hva som er enda raskere og mer effektiv? Ta et bilde.
   

   For å bli uavhengige av referanser en dag, må du lære å se fargene. Se på et objekt nær deg-hva er dens fargetone, lysstyrke, metning? Det er ekstremt vanskelig å si, er det ikke? Men hvis du holder å plukke farger med pipetteverktøyet, vil du aldri lære det. Du kan ikke starte et løp med trening hjul fortsatt på.
   Alle disse studiene ble malt av meg fra en referanse, men uten å bruke pipetteverktøyet. Som nybegynner starter med enklere ting-færre farger bedre
   
   7. Legge til farger til gråtoner uten skikkelig Verdier
   

   Jeg malte dette bildet i 2011. Dette er absolutt en fin og hjertevarmende scene, og jeg fortsatt ganske like den. Jeg husker jeg malte det i gråtoner og deretter lagt farger bruker sannsynligvis noen Blend Modes (farge, multiplisere Overlay). Jeg husker å ha dette en irriterende problem: hvordan få en skikkelig gul når male over gråtoner
   

   Jeg har ikke den opprinnelige filen noe mer, men dette er hvordan gråtoneutgaven så, sannsynligvis?. Legg merke til at både grønne og gule områdene er like mørke. Dette er ikke sant i virkeligheten!
   

   Da jeg var en nybegynner som deg, trodde jeg at lys gjør alle fargene jevnt lysere, og skygge gjør dem jevnt mørkere. Det er derfor maleri i gråtoner virket så praktisk. Jeg kunne ha fokusert på skyggelegging, og lagt farger senere. Dessverre gjorde dette trikset ikke fungerer, og det tok meg lang tid (hovedsakelig fordi jeg ikke egentlig prøve) å forstå hvorfor.
   

   Det enkle svaret er forskjellige farger har forskjellig lysstyrke uavhengig av belysning. Når du ignorerer det, får du gjørmete farger som resultat. Farger du legger direkte til et bilde i gråtoner er blottet for en viktig del av dem. Hvis du ønsker å lære mer om det, har jeg skrevet en kompleks tutorial på temaet verdi.
   Begge hodene har de samme fargene påføres med Color-modus. Legg merke til det er ikke fargelag, men hva som er under som teller
   
   8. Skyggelegging med Dodge og brenne verktøy
   

   Dodge og brenne verktøy er en av de nybegynnere favoritter. De passer fint troen på at Photoshop er et "maleri program". Du trenger bare å velge basisfarger, og deretter velge de områdene du ønsker å skygge. Resten kontrolleres av avanserte algoritmer, ikke av deg, og det er flott, fordi du ikke vet hva du skal gjøre uansett.
   

   Men det er ikke så lett. Disse verktøyene er ikke helt ubrukelig, men når du er en nybegynner, er det bedre å holde seg borte fra dem. De er ikke "skygge verktøy". Dodge Tool er ikke lik "legge til lys", og Burn Tool er ikke lik "legge skygge", heller. Problemet er at de passer en nybegynner visjon om skyggelegging så pent at det er vanskelig å overvinne fristelsen.
   

   Problemet ligger ikke i verktøyene, men i en misforståelse av skyggelegging selv. Nybegynnere tenker ofte at objekter har litt farge, og denne fargen blir mørkere i skyggene, og klarere i lyset. Det er ikke så enkelt. Det kan fungere godt for celle-skyggelegging, eller for tegneserie formål, men selv der dette er bare en snarvei.
   

   Hvis den "type" fungerer, hvorfor ikke bare bruke det?
   
   Det er en annen teknikk som blokkerer din fremgang. Når du bruker det, trenger du ikke engang merke til hva du mangler. Skyggelegging er et komplekst problem, og du begrenser det til "mørkere-lysere" regelen, fordi det er enkelt. Photoshop er her for å jobbe for
   deg, ikke
   stedet for deg. Ikke la det stoppe deg fra å lære.
   

2. Det flater den skyggefulle gjenstanden. Uansett hvor mange teksturer du legge til det etterpå, det fungerer akkurat som en stor pensel som betyr at du kan begynne et bilde med det, men aldri ferdig det på denne måten
   
   Det uriktig fremstilling fargene.; de bør være avhengig av miljøet (direkte lys, lys fra omgivelsene), men verken Dodge Tool heller Burn Tool vet noe om bakgrunnen du bruker. De skygge alt på samme måte!
   Det er en ett års forskjell mellom disse brikkene. Den første ble skyggelagt med Dodge & Brenn duo, den andre med en forståelse av farge.
   Shading Med Black and White
   

   En utvidelse av denne teknikken er skyggelegging ved hjelp av hvit for lys og svart for skygger. Dette kommer fra en tro på at hver farge starter som svart (i skyggen) og ender som hvite (i lys). Selv om det kan være sant for over- eller undereksponerte bilder, bør det ikke være en regel som brukes i maling.
   

   Vi har alle søk etter enkle regler, noe lett å huske og bruke. Men det betyr ikke at vi skal oppfinne
   enkle regler som ikke har noe med virkeligheten å gjøre, som: "legge til hvitt for å gjøre det lysere, legg svart for å gjøre det mørkere". Dette gjelder bare for gråtoner! Hvis du ønsker å lære hvilke regler du kan bruke til å skygge med farger, se denne artikkelen.
   
   unvaried Shading
   

   Når du overvinne den forrige problemet, du kan falle inn i en annen. La oss si at du har valgt oransje som base farge for din karakter. Du bestemmer at lyskilden skal være gul, og omgivelseslyset vil være blå (Sky). Ifølge denne, du flytter nyanse av base farge til gult i lys og blå i skyggen, og det er alt. Det gjør shading mye mer interessant enn hvis du brukte svart og hvitt, men det er fortsatt en snarvei som ikke nødvendigvis fører til de ønskede resultater.
   

   Hvorfor er det en snarvei? Ved å opprette bare tre grunnleggende nyanser for objektet, vil du automatisk plassere den i et kunstig miljø, hvor alt er å reflektere lys i en 100% forutsigbar måte.
   

   I virkeligheten lyset spretter kontinuerlig av alt rundt, inkludert "åser og daler" av 3D-objektet. Derfor skyggelegging sjelden kan begrenses til to eller tre farger. Den blå himmelen kan gjøre noen skygger på objektet blå, men i noen andre sprekker kan de se grønnaktig på grunn av lyset som reflekteres fra gress. Videre kan noen skygger være faktisk lyse og mettet på grunn av lyset som kom gjennom
   hinderet inn i "skygge" (se under overflaten spredning).
   

   Hvis du tar hensyn til dette og velger å bruke indirekte lyskilder for å gjøre skyggelegging mer variert, vil du bli tvunget til å male mer bevisst-og det er flott! Du kan ikke bruke en stor pensel her, fordi det ville blande fargene og du vil miste dem som resultat. Og en liten børste betyr at du oppretter en tekstur på fly!
   
   9. Blending med en myk børste
   

   Det er to hovedmetoder nybegynnere bruke til å blande farger, begge designet for raske effekter:
   

   
   Hvis du blander med en myk børste
   
   Blending med flekk /Blur Tool
   

   Som vi allerede har lært, raske effekter ofte at de er ute av vår kontroll. I dette tilfelle, blander med store slag flater på objektet, og gjør det unaturlig glatt. Selv om du legger til et bilde tekstur etterpå, vil det ikke ta det "plast" effekt unna. Igjen, kan denne metoden være god bare for at startfasen.
   

   Hvis du ønsker å få en fin subtil tekstur (som er bra for de fleste av naturlige materialer), bruk en hardere børste med Flow kontrollert av pennetrykk (jo hardere du trykker, jo mer solid slag).
   

   Denne type børste lar deg kontrollere mengden av fargen du vil bruke.
   

   Takket være dette attributtet, du trenger ikke å blande grensen mellom to farger. Du bare starte med grunnfarge og dekke den lett
   med den andre. Deretter kan du legge et lag av samme farge, noe som gjør det mer solid.
   

   Hvis du ønsker å gjøre det mykere, bare plukke en farge et sted i mellom og maling lett over grensen.
   

   For en sterkere tekstur, bruk en strukturert børste ( med grove kanter).
   

   Ifølge 80-20 regelen, ikke bry deg om å blande i den første fasen. Bruk en stor børste, og gjøre kantene tydelig, og skaper en overdreven skyggelegging.
   

   Senere kan du bruke en mindre, strukturert børste for å blande kantene. Ingen Smudge Tool, ingen myk børste, bare pipetteverktøyet og hard pensel med variabel Flow. Husk: blending avhenger av tekstur i overflaten, slik at du kan ikke bruke samme måte å blande for hver material
   
   10!. Ved hjelp av 2D teksturer for 3D-Forms
   

   Foto teksturer er en nybegynner siste utvei, når objektet er teoretisk ferdig, farget og skyggelagt, men det fortsatt ser ut som en plastleke. Imidlertid kan en tekstur selv gjøre det enda verre.
   

   La oss si at vi ønsker å legge til en tekstur til denne store katten.
   

   Målet må være skyggelagt før du legger teksturer . Den vanskelige delen er at det ikke trenger å være en fullstendig skyggelegging. Metoden for blending avhenger av tekstur-hvis du blander uten å ha noen tekstur i tankene, vil du få en ikke-tekstur blending (glatt overflate).
   

   Du kan laste ned en tekstur fra Internett, eller bruk en av Photoshop mønstre-det er mange av dem i standardsett. Dette er min favoritt mønster for skalaer, invertert skjermen døren.
   

   Hvis du endrer Blend Mode på teksturen til overlegg, vil du se det brukt til skyggelegging. Men legger merke til at enkelte deler har blitt lysere. Du kan like det hvis shading ikke var gjort riktig, men det er enda et tilfelle av å gi opp kontrollen. I de fleste tilfeller ønsker vi ikke teksturen for å lage sin egen versjon av skyggelegging. Mens Overlay-modus er ikke den beste løsningen, det kan du se hvordan teksturen ser på objektet.
   

   Nå, den viktigste og oversett del. Hvis gjenstanden er ment å være 3d, kan det ikke være pent dekket med et 2D-struktur. Vi trenger å justere formen til den form den dekker. Det er tre hovedmåter å gjøre dette-eksperimentet og finn din favoritt:
   
   Free Transform Tool (Ctrl-T) i Warp modus
   
   Filter > Gjør flytende
   
   Rediger > Puppet Warp
   For kuler det er bedre å bruke Filter > Forvrenge > SpherizeBefore bruker Puppet Warp
   Etter bruk Puppet Warp
   

   Overlay modus lyser deler av laget er dekket med hvite områder av tekstur. Vi kunne bruke Multiply i stedet (det gjør hvite områdene gjennomsiktige), men det ville gjøre gradvise toner (gråtoner) mørkere enn nødvendig. Det er et annet verktøy perfekt for å justere en tekstur åpenhet.
   

   Dobbeltklikk på laget og spille med Blend Hvis skyveknapper. I korte trekk, kan du justere gjennomsiktigheten hvit og svart med dem.
   Hold Alt for å "pause" en glidebryter og få en mer gradvis effekt
   

   Vi trenger å forstå hva en tekstur egentlig er . Det er ikke en "grov mønster" plassert rett ved objektet. Det er, faktisk, ruheten av en overflate. Når lyset treffer en glatt overflate, er det reflekteres jevnt. Hvis overflaten er ujevn, dvs laget av små humper og sprekker, vil lyset treffer det skape et helt sett av små skygger. Og det er teksturen vi ser.
   

   Et annet faktum kan utledes fra dette. Hvis det er lys som skaper synlig tekstur, kan det ikke være noen tekstur uten
   lys. Og hva er skygge, hvis ikke mangel på lys? Derfor trenger vi å redusere teksturen i mørke områder (hvis det er lys fra omgivelsene til stede), eller fjerne den i det hele tatt (ingen lys, ingen tekstur). Du kan bruke lagmaske for det, eller leke med Blend Hvis glidere (andre rad). Husk at sprekkene av tekstur er faktisk skygger, så de bør ikke være mørkere enn "normal" skygge området.
   

   Bruk av tekstur er raskt og enkelt når du vet hvilke handlinger som må ta etter valget en. Dette er imidlertid ikke slutt. Hver tekstur er forskjellige, og mens noen av dem vil se flott ut når det påføres direkte, de fleste krever litt mer arbeid.
   

   Igjen gjelder her 80-20 regelen. Legge til en tekstur er lett, men å gjøre det arbeidet er det som tar mest tid. I mitt eksempel har jeg blandet de skyggekantene med individuelle vekter. Ting som dette er svært tidkrevende, men de endrer alt
   Den første kula har en flat struktur i Overlay modus med lavere Opacity, for å gjøre det mindre synlig!; den andre er den samme, men med forvrengning anvendt. Sammenligne dem med den siste, med tilpassede Blend Hvis verdier og justeres manuelt blande
   
   Konklusjon
   

   Som vi lagt merke til, de fleste nybegynnere problemene kommer fra at trangen til å oppnå store ting enkelt, så raskt som mulig. Så det er egentlig ikke om mangel på dyktighet-heller, det handler om at dyp tro på at Photoshop er en kunst å lage program. Det fører til en konstant søken etter verktøy og triks, i stedet for å gjøre en innsats for å forstå og løse problemet.
   

   Du kan ikke bli en digital artist på en dag, bare fordi du har kjøpt en avansert stykke av grafikk programvare. Photoshop er bare et verktøy-mer praktisk å bruke enn pigmenter og børster, men det er fortsatt et verktøy. Det kan ikke gjøre mer enn du har tenkt det til! Hvis du ønsker å gjøre det beste ut av det, behandle det som et digitalt lerret med digitale farger. Glem alle disse fancy verktøy, filtre, børster, eller Blend Modes. Bare maling, som du ville gjort på en ekte lerret.
   

   Les fargelære, perspektiv, anatomi-alle disse tingene som "normale" kunstnere må lære. Med tiden vil du forstå hvordan du bruker Photoshop verktøy for å gjøre de samme tingene enklere og raskere, men ikke sette vognen foran hesten ved å prøve å få gode effekter uten å forstå dem. Tålmodighet er nøkkelen!
   

   
   
   
   Previous:Lær å male et realistisk Nese i Adobe Photoshop
   Next Page:Tuts + Felles utfordring: Laget av Deg, april Round